Washington, 21 feb (EFE).- Los científicos han descubierto que una cepa de bacteria que sobrevive a los antibióticos y que se transmite del ganado a los humanos fue, originalmente, humana pero desarrolló su resistencia en los animales domésticos, según un estudio que publica hoy la revista mBio.
Paul Klein, de la Universidad del Norte de Arizona, y Lance Price del Instituto de Investigación de Genoma Translacional (TGen), junto con científicos de 20 instituciones de diferentes países enfocaron su atención en una cepa de la bacteria conocida como Staphylococcus aureus resistente a la meticilina (SARM).
El SARM es una cepa de la bacteria Staphylococcus aureus que se ha vuelto resistente a varios antibióticos, primero a la penicilina en 1947, y luego a la meticilina. Fue descubierto originalmente en el Reino Unido en 1961 y actualmente está muy propagado.
El SARM es causa conocida de una variedad de infecciones que invaden la piel y pueden tornarse rápidamente en una amenaza para la vida, pero en 2003 se detectó la presencia en el ganado de una forma novedosa del SARM, llamada CC398.
El estudio se centró en la variedad CC398, conocida como SARM porcina o SARM asociada con el ganado porque infecta más a menudo a las personas que están en contacto directo con porcinos u otros animales domésticos de consumo humano.
Las personas afectadas muestran varios tipos de infecciones agudas, incluidas en la piel y los tejidos blandos, infecciones respiratorias y sepsis. La cepa 398 puede encontrarse actualmente en porcinos, pavos, ganado vacuno y ovino , y se ha detectado en el 47 por ciento de las muestras de carne en EE.UU. destinadas al consumo humano.
"Nuestros resultados indican firmemente que el SARM CC398 se originó en los humanos como una bacteria S. aureus susceptible ala meticilina", indicaron los autores.
Pero una vez que se transfirió a los animales la bacteria evolucionó tornándose resistente a la tetraciclina y la meticilina, probablemente como resultado del uso rutinario de estos antibióticos, típico de la moderna producción de carnes para consumo humano.
En 2001 un estudio de la Unión de Científicos calculó que los productores de ganado en EE.UU. usaban unos 11 millones de toneladas anuales de antibióticos por propósitos no terapéuticos, una práctica controvertida que ahora está prohibida en la Unión Europea.
Price, quien dirige el Centro de Microbiología Alimentaria y Salud Ambiental en el TGen, indicó que estas conclusiones "ponen en evidencia los riesgos potenciales para la salud pública que derivan del uso de antibióticos en la producción de carnes para consumo humano".
"Los estafilococos medran en las condiciones de hacinamiento y falta de sanidad", comunes en los recintos donde se mantienen ovinos, ovinos, porcinos y aves en la producción industrial de alimentos.
"Añádale antibióticos a ese ambiente y estará creando un problema de salud pública", agregó Price.
El análisis de varios genomas mostró que la variedad SARM CC398 probablemente evolucionó de una cepa, que era sensible a los antibióticos, y provino de los humanos. Una vez que se comunicó al ganado la cepa cambió rápidamente, adquirió nuevos genes y se diferenció en muchos tipos diferentes que son resistentes a algunos antibióticos.
"El trazar la historia de la evolución del SARM CC398 es como observar el nacimiento de un 'superbicho'", dijo Price. "Es a la vez fascinante y desconcertante. El SARM CC398 fue descubierto hace menos de una década y parece propagarse muy rápidamente". EFE
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lunes, 27 de febrero de 2012
domingo, 19 de febrero de 2012
CURSO SOBRE PATRIMONIO ARTÍSTICO
PRESENTACIÓN:
Este curso pretende cubrir el vacío existente sobre el Patrimonio Artístico y Cultural desligado del sector Turismo. La gestión, catalogación y rentabilización del patrimonio se ha planteado teniendo en cuenta las circunstancias económicas actuales y se ofrecen como una oportunidad para rentabilizar y monetizar las colecciones artísticas ya formadas o por formar.
Especial importancia tiene dar a conocer la experiencia, el inicio y el desarrollo de grandes Fundaciones que han superados momentos complicados, tanto desde el punto de vista cultural como económico, así como las líneas de trabajo desarrolladas y los resultados de su difusión. El curso también tendrá especial interés en ahondar en las nuevas tecnologías.
Se analizará además la fiscalidad que afecta a las operaciones de las que son objeto los bienes del patrimonio artístico, así como el procedimiento para realizar daciones en pago de impuestos y los derechos de autor sobre las obras de arte.
Se ofrecerá una reflexión acerca del papel del coleccionista medio en el entorno artístico de España. Así como el Mecenazgo como labor social del arte especialmente en colectivos con carencias.
El curso irá dividido en bloques temáticos que serán impartidos por expertos de entidades financieras, museos, universidades, instituciones y fundaciones empresariales de primer nivel.
BLOQUE I: ASPECTOS FISCALES, LEGALES E IMPACTO ECONÓMICO DEL PATRIMONIO ARTÍSTICO
PROGRAMA:
VEGAP no es el coco. / ¿Quién es el autor?, ¿Qué obras son objeto de propiedad intelectual?, ¿Qué son los derechos de autor? ¿Quién es VEGAP?
PROGRAMA:
En este primer bloque que sirve de presentación del curso se abordan dos de los temas de máxima actualidad y sobre los que existe un mayor desconocimiento; se tratarán los aspectos fiscales y legales del patrimonio artístico, con especial énfasis en la figura de la VEGAP. Para ello se contará con la intervención de dos destacados expertos, Dª Laura Torrado y D. Antonio López Poza.
LOS DERECHOS DE AUTOR EN EL ARTE
Impartido por Dª Laura Torrado: Artista y docente en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (UCLM), es miembro de la junta directiva de VEGAP desde el año 2007.
VEGAP no es el coco. / ¿Quién es el autor?, ¿Qué obras son objeto de propiedad intelectual?, ¿Qué son los derechos de autor? ¿Quién es VEGAP?
Quién es AUTOR / Persona natural que crea alguna obra literaria, artística o científica. Qué OBRAS son objeto de propiedad intelectual . Creaciones originales literarias, artísticas o científicas expresadas por cualquier medio o soporte, tangible o intangible, actualmente conocido o que se invente en un futuro. Derechos de Autor / Derechos subjetivos, independientes y compatibles con la propiedad y otros derechos sobre el soporte material en el que se incorpora la creación intelectual. Los derechos de propiedad industrial que pudiera existir sobre la obra.
Fecha: Dia 27 de marzo a las 19:30 horas
ASPECTOS FISCALES DEL PATRIMONIO ARTÍSTICO
Impartido por: D. Antonio López Poza- Director del Departamento Asesoría Fiscal de CECA
ASPECTOS FISCALES
Esta ponencia se centra en el análisis de la fiscalidad que afecta a las operaciones de las que son objeto los bienes del patrimonio artístico, tanto en lo que respecta a los impuestos indirectos que gravan su transmisión, como los tributos directos que gravan las rentas que generan y en los que existen deducciones específicas relacionadas con estos bienes. También será objeto de una especial atención el procedimiento para realizar daciones de bienes del patrimonio histórico-artístico en pago de impuestos.
Fecha: Dia 28 de marzo a las 19:30 horas
Lugar:
Sede de la Fundación FIArt. C/ Infantas 27, 2º Izq. 28004. Madrid
Javier Rubio Nomblot: “Hoy en día, al no existir vanguardias “fuertes”, es más llamativa la diversidad, la heterogeneidad, que la coincidencia”
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1989, Javier Rubio Nomblot es crítico de arte y comisario. Miembro del Instituto de Arte Contemporáneo, colabora como crítico de arte con los siguientes medios: ABC Cultural, Guadalimar, ArcoNoticias, Ubicarte.com, y Radio Círculo, entre otros. Desde 2009 imparte clases en cursos de postgrado y ha comisariado varias exposiciones en Museos y Centros de Arte como el Museo de Bellas Artes de Badajoz o el MEIAC. Autor de centenares de textos para monografías, catálogos de artistas españoles contemporáneos, enciclopedias, etc., también ha participado en decenas de jurados de premios de artes plásticas y desarrollado labores de asesoramiento para diversas galerías y colecciones.
Este año ha comisariado por primera vez para la feria Art Madrid, que celebra su séptima edición del 16 al 19 de febrero en el Pabellón de Cristal del recinto ferial de la Casa de Campo, los dos programas dedicados al arte más joven: Young Art, formado por galerías con menos de cinco años que presentan obras de artistas jóvenes, y galerías de más de cinco años que presentan la obra de un sólo artista menor de 40 años, cuyas obras hayan sido realizadas en los dos últimos años; y One Project, un programa formado por galerías que participan con un proyecto específico de un artista menor de 45 años, dispuestos en stands de 10 m2 y en un espacio diferenciado dentro del Pabellón de Cristal.
¿Qué puntos de coincidencia encuentra en las propuestas de los jóvenes artistas?
Hay propuestas muy diferentes y, como escribí en el texto del catálogo, hoy en día, al no existir vanguardias “fuertes”, es más llamativa la diversidad, la heterogeneidad, que la coincidencia. Hay, eso sí, varios Solo Projects dedicados al dibujo, precisamente porque el dibujo es más íntimo, más introspectivo, y permite afirmar la individualidad, la diferencia.
Young Art apuesta por consolidar y potenciar el arte joven. ¿Qué diferencias podrá observar el público entre Young Art y la nueva apuesta One Project?
Los stands de Young Art, o bien son de galerías de reciente creación que apuestan por el arte joven, o bien exponen obra de artistas jóvenes, pero no dejan de ser stands como los demás. One Project consiste en la elaboración de un proyecto para un espacio concreto: el stand no es un lugar en el que exponer unas obras, sino que debe convertirse en una obra en sí mismo.
¿Considera que a nivel institucional se está fomentando el arte joven o todavía queda mucho camino por recorrer?
Nada es nunca perfecto, España nunca ha tenido tantos recursos como Suiza y en los últimos dos o tres años, como consecuencia de los drásticos recortes llevados a cabo por las administraciones, las cosas son aún menos perfectas, pero todas las Comunidades Autónomas, a lo largo de las dos últimas décadas, han desarrollado programas de apoyo al arte joven que en unos casos han sido más ambiciosos y eficaces que en otros.
¿Cree usted que en el coleccionismo español hay un vuelco hacia el arte joven?
No soy un especialista en temas de mercado pero, sinceramente, diría que no.
¿A grandes rasgos encuentra usted diferencias entre las propuestas españolas y las de artistas de otros países en el arte emergente?
Como decía al principio, lo normal es que haya siempre diferencias, al no existir movimientos de vanguardia bien definidos y sí una preocupación generalizada por la diferencia, la particularidad, la singularidad, la especificidad, etc. En teoría, los artistas hoy son sensibles a las particularidades culturales que observan y se interesan también por el modo en que éstas chocan con la tendencia a la uniformidad que acarrea la globalización, lo cual produce el llamado “mestizaje”, la “hibridación”, etc.
¿Podría señalar algún país o continente donde se encuentren referentes de importancia en el arte joven?
Todo sigue proviniendo de los Estados Unidos.
¿Cómo ve el panorama actual del arte en España y en relación con el resto del mundo?
España siempre ha sido un país con grandes artistas, pero situar a un artista en la historia -o en el “mercado”, o en el “circuito internacional”, si prefiere- es otra cosa. No depende tanto del apoyo institucional -que aquí ha existido- cuanto de la potencia del coleccionismo: son los coleccionistas los que respaldan el valor de un artista y en España no hay un coleccionismo poderoso. Esta deficiencia no es nueva: los artistas de las vanguardias de los años veinte y treinta, por ejemplo, son desconocidos incluso del público español y no están situados en la historia como lo están los italianos o los alemanes, porque nadie ha impulsado nunca sus cotizaciones, nadie ha “invertido” en ellos.
¿Qué puntos de coincidencia encuentra en las propuestas de los jóvenes artistas?
Hay propuestas muy diferentes y, como escribí en el texto del catálogo, hoy en día, al no existir vanguardias “fuertes”, es más llamativa la diversidad, la heterogeneidad, que la coincidencia. Hay, eso sí, varios Solo Projects dedicados al dibujo, precisamente porque el dibujo es más íntimo, más introspectivo, y permite afirmar la individualidad, la diferencia.
Young Art apuesta por consolidar y potenciar el arte joven. ¿Qué diferencias podrá observar el público entre Young Art y la nueva apuesta One Project?
Los stands de Young Art, o bien son de galerías de reciente creación que apuestan por el arte joven, o bien exponen obra de artistas jóvenes, pero no dejan de ser stands como los demás. One Project consiste en la elaboración de un proyecto para un espacio concreto: el stand no es un lugar en el que exponer unas obras, sino que debe convertirse en una obra en sí mismo.
¿Considera que a nivel institucional se está fomentando el arte joven o todavía queda mucho camino por recorrer?
Nada es nunca perfecto, España nunca ha tenido tantos recursos como Suiza y en los últimos dos o tres años, como consecuencia de los drásticos recortes llevados a cabo por las administraciones, las cosas son aún menos perfectas, pero todas las Comunidades Autónomas, a lo largo de las dos últimas décadas, han desarrollado programas de apoyo al arte joven que en unos casos han sido más ambiciosos y eficaces que en otros.
¿Cree usted que en el coleccionismo español hay un vuelco hacia el arte joven?
No soy un especialista en temas de mercado pero, sinceramente, diría que no.
¿A grandes rasgos encuentra usted diferencias entre las propuestas españolas y las de artistas de otros países en el arte emergente?
Como decía al principio, lo normal es que haya siempre diferencias, al no existir movimientos de vanguardia bien definidos y sí una preocupación generalizada por la diferencia, la particularidad, la singularidad, la especificidad, etc. En teoría, los artistas hoy son sensibles a las particularidades culturales que observan y se interesan también por el modo en que éstas chocan con la tendencia a la uniformidad que acarrea la globalización, lo cual produce el llamado “mestizaje”, la “hibridación”, etc.
¿Podría señalar algún país o continente donde se encuentren referentes de importancia en el arte joven?
Todo sigue proviniendo de los Estados Unidos.
¿Cómo ve el panorama actual del arte en España y en relación con el resto del mundo?
España siempre ha sido un país con grandes artistas, pero situar a un artista en la historia -o en el “mercado”, o en el “circuito internacional”, si prefiere- es otra cosa. No depende tanto del apoyo institucional -que aquí ha existido- cuanto de la potencia del coleccionismo: son los coleccionistas los que respaldan el valor de un artista y en España no hay un coleccionismo poderoso. Esta deficiencia no es nueva: los artistas de las vanguardias de los años veinte y treinta, por ejemplo, son desconocidos incluso del público español y no están situados en la historia como lo están los italianos o los alemanes, porque nadie ha impulsado nunca sus cotizaciones, nadie ha “invertido” en ellos.
martes, 14 de febrero de 2012
Antioxidantes, alimentos que curan
MÉXICO, D.F., enero 31 (EL UNIVERSAL).- En la vida actual hay muchos factores de riesgo para la salud como el estrés, la contaminación, radiación, el uso de saborizantes y conservadores en alimentos, que contribuyen a que el ambiente no sea muy saludable por el contenido de radicales libres, debilitando el sistema inmune.
Explica la nutrióloga Cinthya Olvera que el smog, el uso excesivo de pesticidas y el abuso de medicamentos alópatas, pueden también causar esas reacciones en el organismo. Con el paso del tiempo se acelera el envejecimiento y enferman a las células. Para atacar a los radicales libres deben intervenir los antioxidantes.Añade que no hay que perder de vista que los antioxidantes son sustancias formadas por vitaminas, minerales y enzimas, y éstas provienen de productos naturales como son las frutas y verduras, y algunas semillas.
Dentro del grupo de antioxidantes se puede encontrar al limón, kiwi, arándanos, uvas, granada, cerezas, jitomate, fresas, brócoli, perejil, guayaba, espárrago, zarzamoras, espinaca, acelga, papaya, berros, almendras, nueces, aguacate, té verde, chocolate, lentejas, garbanzos, frijol, pimientos, hinojo, coliflor, pepino, melón, coles de bruselas, pescado azul y aceite de oliva extra virgen.
Es importante incluirlos en la dieta diaria para no perder lo sano de las células y tener una mejor calidad de vida, sin enfermedades o padecimientos degenerativos.
Uno de los puntos de vista que no hay que perder es que lo mejor es consumirlos naturalmente para que ayuden a mantener al organismo joven por dentro y fuera.
domingo, 5 de febrero de 2012
ARCOmadrid 2012: se abre el plazo de solicitudes de participación
Se abre la convocatoria de solicitud de participación a ARCOmadrid 2012 que se celebrará del 15 al 19 de febrero. Tras la positiva acogida de los cambios introducidos en 2011: reducción del espacio de la feria, énfasis en la calidad de las galerías y de las obras presentadas y apuesta por el coleccionismo; la calidad seguirá siendo el objetivo de esta nueva edición. En la selección de galerías se analizará de nuevo con el máximo cuidado el stand realizado en la pasada edición de la feria, así como el programa de la galería y el proyecto presentado para la participación en ARCOmadrid 2012.
la voluntad por significar el papel de ARCOmadrid dentro del panorama global de ferias, y reforzar el rol de fuente de información para la gran cantidad de coleccionistas y profesionales que cada año acuden a la Feria, ARCOmadrid 2012 presenta una iniciativa destinada a destacar un artista por stand. Esta propuesta pretende incentivar a las galerías para que propongan una presentación especial de alguno de sus artistas, sin que eso implique desarrollar un proyecto exclusivo. ARCOmadrid destacará estos artistas en su comunicación, en el catálogo y en el folleto infoarco. Paralelamente, la información de estas presentaciones será enviada previamente a la celebración de la Feria a todos los críticos y comisarios invitados.
Solo Projects seguirán dedicados a presentar la obra de artistas latinoamericanos. En esta edición, la sección se plantea más que nunca como un espacio de investigación de los trabajos de los artistas de América Latina con la colaboración de un equipo de cinco comisarios. La selección de los proyectos funcionará por solicitud de las galerías y no exclusivamente por invitación, de modo que aquellas galerías que lo deseen puedan proponer un proyecto de un artista latinoamericano. Será un equipo, formado por los comisarios invitados y un miembro del comité, quien seleccione los proyectos más interesantes para ser mostrados en ARCOmadrid 2012. Solo Projects funcionará también como espacio de intercambio entre Latinoamérica y Europa, con encuentros profesionales de directores de museos, críticos y comisarios.
Finalmente, me complace informaros que Maribel López será la nueva directora comercial de la feria, que atenderá todas vuestras preguntas junto con el resto del equipo (Carmen Tasende, como coordinadora, Macarena Hormaechea y Gala González)
la voluntad por significar el papel de ARCOmadrid dentro del panorama global de ferias, y reforzar el rol de fuente de información para la gran cantidad de coleccionistas y profesionales que cada año acuden a la Feria, ARCOmadrid 2012 presenta una iniciativa destinada a destacar un artista por stand. Esta propuesta pretende incentivar a las galerías para que propongan una presentación especial de alguno de sus artistas, sin que eso implique desarrollar un proyecto exclusivo. ARCOmadrid destacará estos artistas en su comunicación, en el catálogo y en el folleto infoarco. Paralelamente, la información de estas presentaciones será enviada previamente a la celebración de la Feria a todos los críticos y comisarios invitados.
Solo Projects seguirán dedicados a presentar la obra de artistas latinoamericanos. En esta edición, la sección se plantea más que nunca como un espacio de investigación de los trabajos de los artistas de América Latina con la colaboración de un equipo de cinco comisarios. La selección de los proyectos funcionará por solicitud de las galerías y no exclusivamente por invitación, de modo que aquellas galerías que lo deseen puedan proponer un proyecto de un artista latinoamericano. Será un equipo, formado por los comisarios invitados y un miembro del comité, quien seleccione los proyectos más interesantes para ser mostrados en ARCOmadrid 2012. Solo Projects funcionará también como espacio de intercambio entre Latinoamérica y Europa, con encuentros profesionales de directores de museos, críticos y comisarios.
Finalmente, me complace informaros que Maribel López será la nueva directora comercial de la feria, que atenderá todas vuestras preguntas junto con el resto del equipo (Carmen Tasende, como coordinadora, Macarena Hormaechea y Gala González)
lunes, 30 de enero de 2012
DOLOR DEL ALMA, DOLOR DEL CUERPO
Durante la tarea de rechazo, los participantes vieron una foto de su ex pareja y pensaron acerca de cómo se sintieron durante la experiencia de la ruptura, o miraron una foto de un amigo y pensaron acerca de una experiencia positiva reciente con esa persona.
Durante la tarea de dolor físico, se les sujetó al antebrazo un artefacto térmico, que en algunas pruebas suministró un estímulo doloroso pero tolerable similar a cuando se tiene en la mano una taza de café caliente, y en otras pruebas proporcionó un estímulo cálido pero no doloroso.
“Encontramos que los fuertes sentimientos de rechazo social activan las regiones del cerebro que están involucradas en la sensación del dolor físico”, ha señalado Cross.
Si el rechazo produce dolor, el amor parece calmarlo, de acuerdo a otra investigación de la Escuela de Medicina de la Universidad de Stanford, en California (Estados Unidos), que ha comprobado que los sentimientos de amor apasionado pueden aliviar el dolor con la misma eficacia que los analgésicos e incluso que algunas drogas ilegales, como la cocaína.
Este fenómeno es posible porque el amor intenso activa las mismas regiones del cerebro donde actúan los medicamentos destinados a calmar el dolor: el sistema de recompensa cerebral, que es el encargado de generar recompensas bioquímicas ante determinados estímulos que recibe la persona.
“En los sistemas de recompensa se genera la dopamina, una hormona y a la vez un neurotransmisor (mensajero químico que intercomunica las células nerviosas) que influye en nuestro estado de ánimo, en nuestra gratificación y en nuestra motivación”, explica el investigador médico Sean Mackey, que ha dirigido el estudio de Stanford.
Según el doctor Mackey."Cuando las personas se encuentran en la fase del amor más apasionada existen alteraciones significativas en su estado de ánimo que impactan sobre su experiencia del dolor".
En sus experimentos participaron quince estudiantes universitarios (ocho mujeres y siete hombres) “perdidamente enamorados”, que estaban en las primeras etapas de sus respectivas relaciones de pareja. En esta fase de enamoramiento, la gente se sienten eufórica, con mucha energía, piensa continuamente en el ser amado y anhela estar con ella o él.
Su actividad cerebral fue registrada mediante una tecnología de diagnóstico por imagen denominada resonancia magnética funcional (fMRI), mientras observaban fotos de sus parejas actuales y a la vez eran expuestos a una sensación de dolor suave. Así, los científicos comprobaron que la visión del ser amado, generaba un alivio en el dolor físico.
Durante la tarea de dolor físico, se les sujetó al antebrazo un artefacto térmico, que en algunas pruebas suministró un estímulo doloroso pero tolerable similar a cuando se tiene en la mano una taza de café caliente, y en otras pruebas proporcionó un estímulo cálido pero no doloroso.
“Encontramos que los fuertes sentimientos de rechazo social activan las regiones del cerebro que están involucradas en la sensación del dolor físico”, ha señalado Cross.
Si el rechazo produce dolor, el amor parece calmarlo, de acuerdo a otra investigación de la Escuela de Medicina de la Universidad de Stanford, en California (Estados Unidos), que ha comprobado que los sentimientos de amor apasionado pueden aliviar el dolor con la misma eficacia que los analgésicos e incluso que algunas drogas ilegales, como la cocaína.
Este fenómeno es posible porque el amor intenso activa las mismas regiones del cerebro donde actúan los medicamentos destinados a calmar el dolor: el sistema de recompensa cerebral, que es el encargado de generar recompensas bioquímicas ante determinados estímulos que recibe la persona.
“En los sistemas de recompensa se genera la dopamina, una hormona y a la vez un neurotransmisor (mensajero químico que intercomunica las células nerviosas) que influye en nuestro estado de ánimo, en nuestra gratificación y en nuestra motivación”, explica el investigador médico Sean Mackey, que ha dirigido el estudio de Stanford.
Según el doctor Mackey."Cuando las personas se encuentran en la fase del amor más apasionada existen alteraciones significativas en su estado de ánimo que impactan sobre su experiencia del dolor".
En sus experimentos participaron quince estudiantes universitarios (ocho mujeres y siete hombres) “perdidamente enamorados”, que estaban en las primeras etapas de sus respectivas relaciones de pareja. En esta fase de enamoramiento, la gente se sienten eufórica, con mucha energía, piensa continuamente en el ser amado y anhela estar con ella o él.
Su actividad cerebral fue registrada mediante una tecnología de diagnóstico por imagen denominada resonancia magnética funcional (fMRI), mientras observaban fotos de sus parejas actuales y a la vez eran expuestos a una sensación de dolor suave. Así, los científicos comprobaron que la visión del ser amado, generaba un alivio en el dolor físico.
martes, 24 de enero de 2012
Homenaje al 477º Aniversario de Fundación de la ciudad de Lima
Una nueva entidad de carácter nacional, representativa de los artistas plásticos y visuales del Perú, con fines y objetivos eminentemente culturales e innovadores, anuncia el inicio de sus actividades institucionales organizando una muestra colectiva de pintura en homenaje al 477º Aniversario Fundación de la ciudad de Lima.
Uniendo la acción a la palabra, esta naciente ASOCIACIÓN NACIONAL DE ARTISTAS PLÁSTICOS Y VISUALES ( ANAPVI-PERÚ), hace público su alto interés por trabajar en forma responsable en los temas de interés en la plástica nacional como son: a) análisis y debate de la situación actual del arte nacional; b) ser vigilantes constantes en la formación artística profesional de nuestros futuros artistas; c) coordinar el homenaje con motivo al Centenario de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, (1918-2018) con entidades afines.
De nuestros estatutos hacemos eco los siguientes objetivos:
* Difundir y promover las Artes Plásticas y Visuales como patrimonio cultural
intangible de la Nación.
* Promover las expresiones artísticas y visuales como afirmación de Identidad
Nacional.
* Desarrollar el intercambio de los conocimientos Artísticos y Pedagógicos de
las Artes.
* Propiciar la organización responsable de concursos públicos y privados de
las Artes a nivel Nacional.
* Por una verdadera Ley del Artista Plástico y Visual.
La presente muestra de pinturas realizadas por destacados artistas desarrolladas dentro de cánones artísticos evocan hoy los sentimientos encontrados que tiene sobre la nueva realidad de una Lima fundada por los españoles. En ella se cobija actualmente a más de ocho millones de habitantes, y que está adecuándose constantemente a lo nuevos tiempos: la globalización y la modernización, produciéndose en su interior una verdadera transformación social y cultural.
Los artistas plásticos contemporáneos- siempre presentes en los procesos sociales- reflejan en sus obras aquellos cambios que solo el tiempo es capaz de producir, una real fusión cultural, dada en la actualidad por la presencia del provinciano migrante y el limeño criollo-mestizo asentado hace décadas en su diaria convivencia. Desde sus frescas playas ribereñas, pasando por las extensas planicies de sus valles hasta los cerros aledaños a la Plaza Mayor, nuestra ciudad se constituye actualmente en el gran centro de los cuatro suyos andinos, generándose así una nueva visión histórica sobre este espacio de todas las sangres y de todos los colores.
En la pintura de hoy, artistas como: Rocío L. Bernaza Zavala, Cleto Carpio Dávila (Cardac), Felipe Portocarrero (Apuric), Julio Quispe Virhuez (Quispejo), Juan Pedro Egoavil Trigos, Juan León Dextre, Ricardo Orihuela Montesinos, Wilfredo Navarrete Arellano, Roberto Villegas Robles, Marco A. Raymundo Sullca y Víctor Salvo representan en el arte del paisaje y la neofiguración de los más serios exponentes de esta sorprendente realidad social y cultural.
COMISIÓN CENTRAL , ANAPVI-PERÚ
Uniendo la acción a la palabra, esta naciente ASOCIACIÓN NACIONAL DE ARTISTAS PLÁSTICOS Y VISUALES ( ANAPVI-PERÚ), hace público su alto interés por trabajar en forma responsable en los temas de interés en la plástica nacional como son: a) análisis y debate de la situación actual del arte nacional; b) ser vigilantes constantes en la formación artística profesional de nuestros futuros artistas; c) coordinar el homenaje con motivo al Centenario de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, (1918-2018) con entidades afines.
De nuestros estatutos hacemos eco los siguientes objetivos:
* Difundir y promover las Artes Plásticas y Visuales como patrimonio cultural
intangible de la Nación.
* Promover las expresiones artísticas y visuales como afirmación de Identidad
Nacional.
* Desarrollar el intercambio de los conocimientos Artísticos y Pedagógicos de
las Artes.
* Propiciar la organización responsable de concursos públicos y privados de
las Artes a nivel Nacional.
* Por una verdadera Ley del Artista Plástico y Visual.
La presente muestra de pinturas realizadas por destacados artistas desarrolladas dentro de cánones artísticos evocan hoy los sentimientos encontrados que tiene sobre la nueva realidad de una Lima fundada por los españoles. En ella se cobija actualmente a más de ocho millones de habitantes, y que está adecuándose constantemente a lo nuevos tiempos: la globalización y la modernización, produciéndose en su interior una verdadera transformación social y cultural.
Los artistas plásticos contemporáneos- siempre presentes en los procesos sociales- reflejan en sus obras aquellos cambios que solo el tiempo es capaz de producir, una real fusión cultural, dada en la actualidad por la presencia del provinciano migrante y el limeño criollo-mestizo asentado hace décadas en su diaria convivencia. Desde sus frescas playas ribereñas, pasando por las extensas planicies de sus valles hasta los cerros aledaños a la Plaza Mayor, nuestra ciudad se constituye actualmente en el gran centro de los cuatro suyos andinos, generándose así una nueva visión histórica sobre este espacio de todas las sangres y de todos los colores.
En la pintura de hoy, artistas como: Rocío L. Bernaza Zavala, Cleto Carpio Dávila (Cardac), Felipe Portocarrero (Apuric), Julio Quispe Virhuez (Quispejo), Juan Pedro Egoavil Trigos, Juan León Dextre, Ricardo Orihuela Montesinos, Wilfredo Navarrete Arellano, Roberto Villegas Robles, Marco A. Raymundo Sullca y Víctor Salvo representan en el arte del paisaje y la neofiguración de los más serios exponentes de esta sorprendente realidad social y cultural.
COMISIÓN CENTRAL , ANAPVI-PERÚ
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